中国雕塑家不得不改弦易辙，心思去另辟蹊径

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雕像作为古老的艺术手段之一，在东西方都形成了无数不朽的杰作。 长期以来，仿制技术所创造的风格占据了历史的主要篇章，成就了古埃及、古罗马等多个时期石雕艺术的辉煌。 文艺复兴时期的雕塑大师米开朗基罗将其推向了极致，迫使后来的雕塑家不得不改变方式，寻找新的方式。 即使到了晚年，米开朗基罗仍致力于探索雕塑语言的新方式。 巴洛克时期的雕塑家贝尔尼尼以简洁写实的方式创作物体，同时也追求整体布局的动感和不稳定性，指出雕像、建筑、绘画、灯光和材料的综合运用。 19世纪欧洲雕塑家罗丹在尊重实物形象的基础上，强化了激情，使充满物质特征和人性特征的手稿、刀痕、光影语言有利于整个雕像形式。 面对前人闪烁的艺术光辉，随着材料工业的发展、加工技术的进步和人类对物体认识的加深，形式的精确不再是高不可攀的。 二十世纪的雕塑家们陷入了困境和犹豫。 他们不断从各个角度寻求改革、创新、突破。 就像莫蒂利亚尼和贾科梅蒂身体的拉长，毕加索和阿奇平科的身体结构，阿尔普身体的扩张，卡德尔身体的运动，以及杜尚对原始物体的放置，从而纯粹表达观念装置、行为等。 .，创造出一个又长又丰富多彩的表达词汇。

世界似乎变得越来越小，而相互的影响却与日俱增。 风格上的差异会趋于相同吗？ 这个问题在刚刚冲破限制性思维的沉重束缚、追求人性解放的中国雕塑家面前同样严峻。 一方面，传统泥塑有着广阔而深远的沃土，另一方面，在反映现实、服务公共生活空间方面，造像的理论和实践基础还相当薄弱，这就自然产生了几大模式：中国本土模式、西方传统模式、西方现代模式。 两者在当今的雕像文坛交汇。 人们对机械模仿西方传统模型而产生的观念僵化的雕像风格感到不满，感到保守。 他们不能贸然套用本土的百搭风格，也不能容忍一些失去审美原则的现代西方“作品”。 雕像去哪儿了？ 虽然就流派和塑造方法而言，传统与现代、东方与西方、具象与具象等等，无所谓好与坏，没有必要赞扬一个或批评另一个。 它们各有其精华，也各有其糟粕。 关键在于能否正确运用公认的审美原则，合理展现当地的精神内涵，同时又有独特的艺术品味。 实现上述目标的途径就是将设计理念融入到雕像之中，从而丰富力量，强化雕像的设计理念。

设计（）是20世纪中叶在科学技术和经济发展以及人类日益增长的需求基础上产生的一门综合性应用科学。 它研究生产技术、艺术和社会生活之间的相互关系，研究如何创造出符合工艺流程和工作表现的形体，符合美的规律。 它还研究作品如何在特定的时间和空间上满足人类的各种需求。 设计理念的核心是一切为了“人”，最大程度地满足人们的心理和生理要求。 设计作品中思维的物质再现表现出一定的时代性和地域性，实际上描绘了艺术家自身的个性特征。 雕像主要通过空间造型（点、线、面、肌理、材质、光线、色彩等多种因素的构成）来表达其内涵。 总的来说，可以说设计存在于选题、材料、塑造上。 综合设计除了雕像本身的视觉传达外，还应从审美主体（欣赏者）、加工工艺、摆放环境等多方面进行解读。 这就要求雕塑家具有广阔的思维和丰富的想象力，选择合适的材料，探索自然之美，寻求与人更多的融合，以达到审美主体与雕塑对象、雕塑的内涵与表现、雕塑本身与人的融合。周围的环境，以及雕塑的表现力和表现力。 功能的统一等等。 重视设计在雕像造型中的作用，无疑可以更加注重人的主观能动性，使作品更加具有原创性和活力。

设计在雕像创作中的作用可以进一步概括为：

1.主题选择

设计使创作能够体现时代特征、民族特色。 雕塑家更注重人的价值和雕像的实际放置环境。 他们根据具体功能进行选择，有针对性地满足不同层次的人群，适应不断变化的多方面需求。

2.创意加工

设计的目标是产生作品的独特性和艺术家的个性。 这使得雕塑家能够从自然科学和社会科学中汲取养分，比如：雕像本身之间线雕、浮雕、透雕、浮雕的综合运用； 雕像与现代构图、色彩的结合，以及声、光、电、风、水的结合。 采用等，提倡新材料、新技术、新工艺在作品中的运用，如：材料的巧妙运用、反视觉的形状、象征性的图像、变异与常见类型、夸张与省略、分解与碎片化、渐变重复、转置、组合等。

3.功能应用

这样的设计使雕像的功能更加多元化。 这使得雕塑家不仅能够追求艺术叙事，还能回应物体的要求。 根据行业特点和应用性质，采取不同的表现形式，防止户外大型雕像在室内放大，以及纪念性雕像和标志性雕像的误用。

4.评价定位

作者是否有“想法”，作品是否有“闪光点”，设计成为评价作品价值和作者地位的又一标准，防止作品程式化、概念化，变得更加合理。 设计的精彩与奇特无疑会给艺术批评带来新的视角，也为雕像教学提供新的内容。