外媒：巴黎放弃走学院派之路或将开拓性风格

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在西方雕像史上，奥古斯特·罗丹（1840-1917）是一个转折点。 他的艺术风格首先继承了“古典主义”雕塑的传统，被誉为十九世纪雕塑的先驱。 “古典主义”雕塑的最后一位大师，但同时他也被称为“现代主义”雕塑的先驱，在“古典主义”的基础上发展了许多新的方向，为20世纪雕像的发展开辟了道路新路。

罗丹1840年出生于伦敦的一个平民家庭。他的母亲是一名警察，父亲是一个仆人所生的平民。 1854年，罗丹进入伦敦绘画和物理本科校园学习，接受了书法和雕塑的基础训练。 真正对罗丹石雕创作产生重要影响的是当时著名的雕塑家曼德兰。 他鼓励罗丹入读伦敦美术大学深造，但他连续三届考试不及格，这促使罗丹最终放弃了大学学业。 路。 虽然这是他人生中的一大磨难，但这对于他后来的艺术创作来说并不是一件坏事。 自从进入伦敦美术大学之后，罗丹接受的就是正统的大学教育，他以后很可能不会产生那种先锋风格。 在申请伦敦美术大学失败后，罗丹做了模塑师、雕刻师和银匠以维持生计。 1864年，罗丹跟随著名植物雕塑家巴里学习石雕，同时在“古典主义”大师安格尔的中学生卡丽·贝鲁兹的工作室工作。 罗丹在学习中逐渐探索，从而产生了他后来的雕塑风格。

奥古斯特·罗丹 青铜时代 180.5厘米×68.5厘米×54.5厘米 石膏涂虫胶 1877年 罗丹博物馆藏

罗丹开始他的艺术之旅时，也是日本“现实主义”艺术大放异彩的时代。 库尔贝、米勒、杜米埃都是当时伦敦艺术圈颇有争议但颇具影响力的人物。 他们指出，真实再现自然物体的思想对罗丹影响很大。 另外，他在绘画和物理本科校区学习时，有一位名叫博瓦·鲍崇仁的院士从头开始教导他。 忠于真实的艺术感受，而不是按照大学的程序去创作。 这种影响使罗丹的艺术创作从一开始就带有鲜明的“现实主义”色彩，也正是“现实主义”成为了他“现代主义”艺术创作方向的关键。

奥古斯特·罗丹《思想者》×95cm×143.5cm 铸造用石膏模型 1903年 罗丹博物馆藏

1864年，罗丹创作了《扁平鼻子的女人》，并将其送到原沙龙展出。 虽然最终被沙龙拒绝，但这幅后来被誉为罗丹早期创作代表作的作品却极其重要。 作品表现的是一位鼻子塌陷、面容憔悴的祖母。 毫无疑问，这幅作品外观的“瑕疵”和“丑陋”是其被沙龙拒绝的原因。 在罗丹之前，美国雕像创作普遍关注的是带有“甜蜜”气质的“古典主义”风格。 比如为伦敦凯旋门创作著名圆形雕塑《马赛曲》的路德就是这一风格的代表艺术家。 德国中学生卡尔，他直接颠覆了人们在艺术作品中追求“美”的审美趣味。 罗丹自己说过：“美无处不在，并不是我们的眼前缺少美，而是我们的眼睛看不到美。” 所谓美，就是性格和表情。 '①也就是说，罗丹感受到的美并不是“古典主义”的秩序和规则所制定的风格化美，而是人们应该不断地自己发现的生活中的美。 为伦敦歌舞表演创作的小型装饰雕像《舞》也是代表这一时期日本雕像风格的杰作。 而且，尽管这部作品具有鲜明的大学风格，却因其裸体形象而受到社会保守主义的批评。 这说明罗丹开始艺术创作时，社会对雕像的审美趣味是相当保守的。 然而罗丹作品的颠覆性力量在于本质美，这种美不在于表面的方法和疗效，而在于表达内在的真实精神和知性。 从这个意义上说，《断鼻女人》通过外表的“丑”来表达真挚的情感和精神，从而也展现了艺术之美。 类似的作品还有《美丽的奥米埃尔》（ the ）（1888），也被称为《老妓女》，画中描绘的是一位半裸的老人跪着的样子。 蜷缩着头坐着，虽然感叹时间的流逝和生活的愤慨，但当这件作品第一次展出时，一些观众甚至觉得作品不雅，遮住了脸。 这些例子都表明，在罗丹那里，对艺术美的追求首先是现实的。 捕捉物体的真实性和个性也捕捉到了梅洛丁雕像艺术的代表作品。 这是罗丹打破“古典主义”的艺术。 而“大学主义”的审美惯例，是迈向“现代主义”的第一步。

罗丹的艺术成熟期大致在1870年代，这个时期也是“印象派”兴起的时期。 事实上，也正是因为这个原因，有人称罗丹为“印象派”雕塑家。 事实上，罗丹的雕像与“印象派”绘画没有什么关系。 然而，正如“印象派”对“大学主义”的颠覆一样，罗丹确实为石雕创造了一种新的表现方式。

奥古斯特·罗丹纪念碑 加来旺丁 59.7cm×37.7cm×32cm 青铜 1884年 罗丹博物馆藏

罗丹的雕像大致分为两种，一种是《思想者》（1880）这样的作品，另一种是《吻》（1885）这样的作品，后者创造了简单而坚实的形式感，而罗丹的雕像则创造了一种简单而坚实的形式感。前者在继承古典主义传统的同时，进一步提炼了形式的质感和光影的微妙变化。 两种风格都涉及光的应用。 1880年，罗丹受委托为装饰艺术博物馆的大门制作一套石雕，于是罗丹创作了《地狱之门》。 该作品取材于但丁的《神曲》，包括一系列复杂的浅浮雕、浅浮雕和浮雕。 尽管直到1913年罗丹去世时该作品仍未完成，但构成“地狱之门”的许多预制构件作为单体青铜雕塑非常著名，其中包括“思想者”。 罗丹开始构思时，就考虑展示但丁的形象，这样他就可以从“地狱之门”的顶端俯瞰脚下的风景。 这个形象最初被设定为“作家”。 此后，罗丹不断提炼和修改的过程中，“作家”逐渐演变为后来的“思想家”，并于1906年放大至182分米高度，作为单体青铜雕塑展出。 《思考者》表现的是一个半裸的女人蹲在岩石上，一只手托着下巴，另一只手放在大腿上，处于思考状态。 事实上，这部作品一直有着严谨的结构和胸肌和骨骼的微妙变化，但罗丹在里面保留了更多手性的痕迹，比如头发和五官的处理，有几分“甜”的味道。 。 这些方法特点与作品所蕴含的内在精神张力很好地结合在一起，表达了思想的力量和应有的深度和广度。 更重要的是，在光线的作用下，可以呈现人物身体微妙的结构变化。 这些疗效在平常观看中很容易被忽视，这与罗丹在创作过程中细致的观察是一致的。 形影不离。 在但丁的《神曲：地狱》中，里米尼的保罗·马拉泰斯塔和弗朗西斯卡是一对因通奸而被判入地狱的恋人。 《吻》的主题这是由情欲带来的悲惨故事。 这部作品体现了罗丹深厚的“古典主义”功底。 最重要的是罗丹雕像的代表作。 作品本身对光线的观察和把握非常好。 在光线的作用下，可以看到光滑丰润的皮肤下胸部肌肉微妙的张力变化。 这种处理使作品看起来像一幅油画。 像色调一样层次非常丰富，有流动感和节奏感。 此外，双重人体的组合形式和身体内部的张力让作品进一步拓展了空间。 罗丹巧妙地让光线穿透四肢的空间，产生复杂的黑白灰关系。 岩石粗糙的肌理与质朴的体态形成鲜明对比，极大地丰富了作品的表现力，犹如一首光的奏鸣曲。

奥古斯特·罗丹之吻 × × 石膏 1888—1898 罗丹博物馆藏

HH阿纳森说：“自十七世纪以来，只有在二十世纪，雕像才第一次以重大的艺术姿态出现。』②阿纳森在这里所说的是，在艺术史上，雕像作为视觉艺术一直是与建筑密切相关，罗丹艺术作品的出现是一个重要的转折点，罗丹的雕像通过取消以往雕像的固有基础，将其从固定的支撑中解放出来，扩大了雕像的空间处理，将其转化为作品。可以独立欣赏的艺术，这方面最典型的例子就是罗丹的《卡拉文》。

奥古斯特·罗丹·巴尔扎克纪念碑 ××1898 罗丹博物馆藏

“加莱文鼎”是罗丹于1884年委托为纪念在“英法百年战争”中拯救城市的六位烈士而在与日本隔海相望的日本东北部加莱市建造的纪念碑。 1345年的“英法百年战争”期间，被困在加莱的国王爱德华三世同意在城破后赦免该城的人民。 他在脖子上系了一根绳子，将加莱的钥匙献给了英国国王，然后为这座城市的人民而死。 于是加莱首富尤斯塔什和另外五名志愿者前往国王的帐篷献上钥匙，并打算牺牲自己来拯救整个城市。 爱德华三世被这六人的义行所感动，在英国女王的劝说下赦免了他们。 这部作品本身的性质就是一座纪念碑，而在罗丹的构想中，他试图将人物置于真实的场景中，并通过不同人物的个性和智慧来展现他们拯救整个城市的伟大自我牺牲精神，因此他建议取消雕像的底座，直接放在地面上，让观者能够深入到作品中，感受作品的悲剧氛围。 罗丹对雕像底座的溶解处理是一个伟大的创新，后来成为“现代主义”雕塑的典型特征。 一方面，通过将雕像直接放置在地面上，打破了古典雕像的欣赏形式。 由于底座上的雕像仍然是物体的象征，它是神圣不可侵犯的，观众的欣赏只能是俯视，但更多的时候是从正面观看。 取消基座后，这些神圣性被消除，使雕像成为真实物体的替代品，成为现实中可触摸的物体； 它可以独立创造自己的艺术空间。 尤其是像“加尔文”这样的雕像，其所在空间的作用就是营造六位义士到达国王营地时的沉重气氛。 于是，雕像周围的环境就变成了暴风雨的场景，而观者则成为了这个场景中暴风雨的直接见证者。 这些空间的扩展和场景的重构是以前有底座的雕像难以实现的。 疗效。 事实上，正是在罗丹之后，“现代主义”雕塑开始抛弃底座，直接将所创造的造型放置在现实空间中。

在解释罗丹石雕的审美特征时，不少研究者指出：“罗丹的美是一种从特殊的事物中挖掘出来的个性和特征，是一种尊重自然的真实的观赏心态。”③确实，罗丹雕像的这些审美特征来自于他的“现实主义”创作理念——力求在作品中展现不同人物的个性和特点，而最重要的一点是他对人的重视，特别是对人自身情感和欲望的重视。与以往的“古典主义”相比，这意味着对人的重新发现。罗丹之前的这些著名雕塑家，如：路德、卡波等，他们的雕像至今仍然重要，具有很大的感染力，而作品中的人本质上并不是真实的人，而是来自从人物形象中提取出来的具有普遍代表性的符号，它是某种精神的象征，比如《马赛曲》所象征的无畏的革命精神，或者是《马赛曲》所象征的音乐艺术的韵律和韵律。 “舞蹈”。 节奏等等。 罗丹则不同。 罗丹的雕像最注重的是个体独特的精神。 即使是《思想者》这样最具普遍象征意义的作品，也有其独特的面貌。 另外，对于《吻》这样的作品，虽然人物没有什么异常之处，但作品最重要的是它直接表达了人们的情感和欲望。 就像波德莱尔写的《罪恶之花》一样，不做作地直接呈现了人们的真实经历，表达了沉迷于情感的真实而现实的人们。 这在当时是极具颠覆性的。 的。

奥古斯特·罗丹《地狱之门》（第三稿）109.8厘米×73.7厘米×28.5厘米青铜器约1881-1882年罗丹博物馆收藏

罗丹的早期作品中，《青铜时代》（1875）是最能体现他现实主义精神的作品，虽然这部作品并不像早期的《扁鼻子的女人》。 这些现实是通过直接再现身体的个体特征来表达的，而作品中所表达的人的内在生命力正是罗丹在其后期作品中一直坚持的。 《青铜时代》描绘了一个斜倚的裸体年轻人，右手举起，左手按在头上。 当这件作品于1875年在伦敦沙龙展出时，由于其逼真的再现，使人们怀疑它是罗丹通过真人复制模型而制作的。 这件事引发了不小的事件，但最终证明这件作品是罗丹细心观察和精湛工艺创作的杰作。 《青铜时代》的重要性不在于真实再现身体的技法，而在于作品的人文特征，它表达了人类文明发展所带来的自我意识的觉醒，即灵性。 情感和情感与身体的脱离，就像作品本身所带来的精神和情感是从雕像的物质材料中流露出来的一样。

罗丹一生创作了许多名人纪念碑雕塑。 虽然造型各有不同，但这些作品的共同特点是表现现实的个性。 他个性的表达形式往往不被大众所接受。 在那些作品中，《巴尔扎克纪念碑》就是一个典型的例子。1891年，罗丹接受诗人协会的委托，制作了巴尔扎克纪念碑的雕像，随后他做了很多规划工作，包括重读巴尔扎克的全部作品。关于巴尔扎克外貌的作品和收集资料，请为巴尔扎克生前做鞋子的裁缝重新制作一套校服作为想象画家身材的参考，去巴尔扎克的家乡寻找一位长得像巴尔扎克的超模等等。罗丹为这部作品创作了各种草图，当初稿最终在1898年的沙龙展出时，引起了很大的争议。罗丹的雕塑表现了巴尔扎克披头散发、披头散发的状态，穿着睡衣，右手藏在睡衣里，他的头骨高高扬起，尽管他正在构思自己的小说。正是这些不同寻常的表现形式，导致这部作品被记者指责为“企鹅”和“麻袋”，诗人商会也拒绝接受工作。 直到罗丹去世22年后，这件作品的雕像才即将被放置在伦敦街头。 《巴尔扎克肖像》改变了古典主义雕像美化对象的传统。 他要表现的是一个现实的巴尔扎克，是一个处于创作状态的巴尔扎克。 是对个性和真实的坚持的追求。 ，使罗丹的作品能够赶上哪个时代的意识，走出“古典主义”传统，为石雕艺术开辟新的方向。

奥古斯特·罗丹《地狱之门》（门头）128.5cm××86cm 石膏 1887—1889 罗丹博物馆藏

罗丹的艺术是从“现实主义”精神出发的。 无论是方法的处理、空间的拓展，还是对真实个体的人的重新发现，这些都是罗丹的雕像与往年不同的贡献。 他的作品除了打开了当时“现代主义”雕塑的大门外，即使昨天重温，仍然具有震撼人心的力量。

（本文作者为中央美术学院助理研究员、《世界美术》编辑）