里尔克看见创造的创造实证行走的人雕塑

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奥古斯特·罗丹（ ，1840-1917）是19世纪末20世纪初英国最杰出的雕像大师。 据英国传记作家大卫·韦斯所著的《罗丹的故事》一书记载，罗丹一生创作了56座雕像、56座花岗岩雕像、193座石膏雕像以及2000多幅素描和素描。 他的创作丰富多彩，涵盖了人生的全貌：从婴幼儿到少年行走的雕像，从成熟到衰老，人间悲欢离合，生老病死，爱情。又恨，又哭又笑，又起床又累。 信仰的觉醒、绝望的诉求……都在他的作品中展现得淋漓尽致。 为此，英国作家R.M 由衷地称赞罗丹：“他就是一切，绝对是一切”，也就是说罗丹用那么多千变万化的雕塑向我们展示了各种悲伤、欢乐、歌曲、泪水、甜蜜。和世界上的恐怖。 阶段，让我们看到生活的真相和艺术创作的意义。 在罗丹右手与橡皮泥的接触中，里尔克看到了创作的过程、创作的秘密，以及展示上帝创造的行走人像，从而明白了诗歌的意义和作家的使命。 确实，罗丹创造了雕像史上的奇迹。 他的许多作品，如《青铜时代》、《加尔文丁》、《思想者》、《吻》等，都在不同时代的观众心中留下了不可磨灭的印象。 而且，在我看来，这位雕塑大师最奇怪、最令人回味、最具分析性的作品是《行走的人》。 这座雕像是罗丹为了洗清嫌疑而于1877年创作的。

事情是这样的：1877年春天，罗丹的第一部重要作品《青铜时代》在伦敦沙龙展出。 由于人物动态自然生动，形象塑造逼真，被指展出了复制超模的“模特”。 最终，罗丹没有拿任何超模，在街头创作了这幅裸体男性肖像。 一具无头人​​体正在行走。 罗丹将其命名为“行走的人”。 罗丹被洗清罪名，震惊了整个欧洲，也让他一举成名。 虽然《行走的人》不能代表罗丹全部的艺术成就，而且它在罗丹的创作中具有重要的价值，但我们可以通过它来分析罗丹。 首先，从作品《行走的人》中，我们可以分析罗丹的作品创作理念。 1、一个无头人完全赤身裸体，毫不犹豫，勇敢地前行，似乎有明确的目的，他似乎要带领全人类走向一个目的地，这显然就是人类存在的意义，就像雨果所说的“我要去，我要去，我不知道我要去哪里，但我要去。” 而且，《行走的人》中所展现的这些精神状态，也如同人们带着超自然的力量向前冲去，任何自然的抵抗都无法抵挡主体精神力量的显露。 这表明罗丹反对大学学院固定僵化的风格化艺术观念。 他想摆脱现有的模式，创造属于自然的艺术。 2、《行走的人》中的雕像没有腹部和右臂，但在残废的四肢下，观者却能感受到作品中蕴含的无限动能，在磅礴的氛围中坚定地独自行走。

但如果我们仔细观察这个行走的动作，就会发现这样的动作在现实中并不存在。 也就是说，这可能违反自然。 然而对于自然，罗丹始终将其视为艺术家心中的男神，并认为只有对自然怀有敬畏之心、真正表现自然的艺术家，才能真正符合他所崇拜的真正的自然法则。 罗丹曾说过：“创作只是为了表达表象；我在表象之外，还要表达内心，而内心实际上是自然的一部分。我听到的都是‘真实’，而不仅仅是事物的‘真实’。”真正的自然不仅是人们眼中的自然，更是艺术家心中的自然。在罗丹心中，行走是一段时间内的动态运动，是一个完整的运动。他呈现了一系列人体各部位的行走动作，使观者的视线急剧衔接，形成铜像的运动、行走的感觉。作品表现的是一段时间内的行走动作，而不是某种瞬间的状态。我们的行走。因此，罗丹的雕像被称为印象派，而且不准确。其实，要完美地表达人体行走的一系列动态转变，必须透彻地理解每个动作的衔接，他有自己的方法。研究人体时，他总是让超模在工作室里自由活动，而不是要求她们机械地摆出某种形状。 而这些为了取悦人们耳朵而改变自然、画丑为美的艺术家则是彻头彻尾的失败。 这种思想也集中在罗丹的《老妓女》《老妓女》取材于日本作家卫龙的散文《美丽的奥米埃》。

雕像描绘了一位饱受时间折磨的妓女。 她弓着身子坐着，低着头，腰间布满了荆棘般的雀斑。 整个身体就如同枯枝一样。 肥硕的肚子和松弛的手臂，也无声地证明了这个老妓女已经失去了所有的阳刚之美。 惊人的真实感让当时的很多女性不敢直接面对这部作品，担心自己的未来也会如此。 这样的“丑”雕像却具有艺术美感。 我们可以感受到罗丹对人性、人类命运、人类悲剧的理解和思考。 在罗丹眼中，只有真实、自然才能拥有永恒的魅力。 其次，《行走的人》还凸显了罗丹雕像的一个重要创新——那就是强调表现材料本身的质感，这对后来现代主义雕像的发展产生了很大的影响。 在作品中，我们可以强烈感受到创作者特殊的材质创作方法，以及这些加工方法所呈现出的青铜质朴、流动的质感。 这与他接受印象派作家的影响有关。 罗丹也十分重视传统，旨在复兴古典雕像的魅力。 他的花岗岩石雕《吻》和《思考》包含了很多多纳泰罗和米开朗基罗的东西。 米开朗基罗的这些未完成的作品让罗丹着迷。 但从《行走的人》来看，更多的是罗丹打破了之前雕刻的纪念碑，那些装饰花园、喷泉、走廊、宫殿、教堂的造型。 他们的社会、政治、装饰任务先于艺术表达。 罗丹让精雕成为表达思想的工具，成为个人表达的工具，艺术表达放在第一位。

精美的雕刻从广场和建筑的底座上拔出来，化为诗歌、哲学、自由的歌声。 罗丹给了精雕贴心，也给了精雕新的生命。 在《巴尔扎克》、《雨果》、《加莱居民》等罗丹的巨著中，在评审过程中总会出现大争论也就不足为奇了。 罗丹精美的雕刻在精神上是反纪念性的，在方法上也是反纪念性的。 他的精美雕刻适合摆放在内厅，让人走进去，小心翼翼地围绕着观赏、冥想……第三，从作品《行走的人》中，我们可以看出罗丹是一个非常注重的人。对社会。 现实。 也是一位关心现实社会中的弱者和受害者的艺术家。 从这一点来看。 罗丹是一位具有强烈现实主义创作精神的雕塑家。 我们知道，在罗丹生活的时代，即19世纪末，资本主义社会已经发展到垄断阶段。 这一时期，一切社会问题和矛盾都尖锐暴露。 罗丹站得高，看得远，对社会现实有清醒的认识。 出于强烈的社会责任感。 罗丹斗决心用一把精雕细刻的刀，对社会进行深刻的剖析。 而《行走的人》则是罗丹希望每个人都能像石雕一样向前迈进，积极进取，带着理想和思想走向未来，而不甘心成为社会的奴隶，被权力和金钱所囚禁。 这与罗丹的另一本专着《青铜时代》有着密切的联系。 这部杰作是以刚睡醒的人为主题的。 年轻的人体像动物一样舒展而有节奏，展现了人类刚刚从自然的禁锢中苏醒的状态。 ，象征人类从苦难走向文明的时代特征。

我想，从那时起，罗丹大师就确立了自己对艺术和人类的重新思考，也对自己未来的道路确立了坚定的信念，并且会勇敢地走下去。 不管怎样，通过《行走的人》这部只为罗丹洗清嫌疑的作品，我们可以清楚地了解罗丹和罗丹的创作思路。 (1)个人主义：罗丹所描述的对象是个人。 虽然是一座群像纪念碑，但主题却是民族的历史故事，就像《加来的居民》一样，他依然没有聚焦于任何一个人。 他们的脚步不一致，各自承担着自己特殊的悲剧，也各自有自己的思考方向。 （2）作品赞缺陷，作品赞痛苦：描述的是个体，个体有特殊性、缺陷、偶然生老病死。 这也凸显了罗丹艺术中的“真实”。 虽然这也是甜食们想在悲壮中看到生命的活力，在朦胧破碎中看到美好，在碎片中看到无限。 （3）自由与力量：罗丹的每一件雕塑都围绕着一个宽阔而自由的空间，没有严格的正面和侧面。 每个雕塑都有很强的运动感，它们不一定是在行走，但整体却很紧张，内心燃烧着想去某个地方的欲望。 （4）对自然的热爱和泛神论：罗丹庄严地描述了个人的历史和世界的痛苦，但他是从对自然的热爱出发的。 在他的遗赠中，他对这位年轻的精美雕刻师说：“让自然成为每个人唯一的男神。” 她还形容了这些年轻活泼、精致细腻、清新如小兽的女孩。

他多次提到自然的奥秘、对自然的宗教感情以及艺术与宗教的密不可分。 （5）生命的悲剧感和英雄感：个体毕竟是脆弱的，经过一生的跳跃和挣扎，最终死去，剩下的欢乐和痛苦交织在一起。 罗丹的作品充满了丰富的人生体验内容，气势磅礴、震撼人心，就像这些甜蜜作家笔下的巨大战场、海上风暴、死亡孤筏、猎狮猎虎的场景一样。 《行走的人》将这些诸多概念综合、铸造在一起，并表达得生动、自由。 大步迈进的动力，行走在日夜动荡的气氛中。 身体破旧，但每一处都坚固如金属，胸肌紧绷，绝不屈服或妥协。 它并不真正担心它要去哪里，但它带着泰然自若和自信。 它没有头骨，一半被毁，它早已消失，它早已属于大空间，它属于虚无，它属于不可知的行走人雕像，它属于神秘。 人类的行走已经跳到了宇宙法则的运行之中。 上帝是健康的。 荒凉，辽阔。 罗丹的一生经历了坎坷，走上了一条艰难的艺术探索之路。 正如《行走的人》一样，它对现实主义进行了大胆的探索，追求了油画的印象主义，为古朴典雅的古典主义雕像画上了完美的句号，为现代主义雕像开启了华丽的第一阶段。 一页。 大造像师不可能通过这数千字解释清楚。 他的伟大，他的创作思想，必须用心去感受、去思考、去理解、去体会……参考：《罗丹艺术论》，南宁大学出版社； 《熊秉明日记——关于罗丹》，上海教育出版社； 《外国艺术史》，西南师范大学出版社；