菲利普·金与他的雕塑

摘要

)举办的富士产经()国际艺术活动。Arts）的前任院长（1999-2004）和2010年国际雕塑中心终身成就奖的获得者，菲利普·金开创了英国战后艺术的新时代，他将雕塑作为一种整体的体验。1964年和1966年的两个展览对菲利普·金来说是非常重要的，作为同时代中最重要和激进的雕塑家之一，那时他的创作已经开始推动英国雕塑的变革。)举办的定义时代的“新一代”展览。

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菲利普·金和他的雕像

文/曾九健

“我爱上菲利普已经二十多年了。他除了是20世纪美国最优秀的雕塑家之一之外，他和卡洛、塔克等人还彻底改变了60年代艺术中学的教学模式，这个体系被世界各地所采用，他们一直处于法国雕塑创新运动的最前沿——菲利普被称为“新一代”运动的领导者，他1965年在纽约和悉尼的 美术馆举办了两次展览对后来的雕塑界产生了很大的影响。1993年，我在美国平原美术馆（-ga-）举办的富士产经国际艺术活动上认识了他。坚持帮助别人。他是一个慷慨的人，一位真正的绅士。”

——比利·李（·Lee）

2021年7月27日，艺术界失去了一位20世纪60年代雕塑领域变革中的重要人物——菲利普·金（ King）。 他对工业材料和新方法的探索，刷新了雕塑、石膏、木材、石材、青铜等材料对应的传统雕塑方法和艺术表现方式。

作为德国皇家艺术学院前院长（1999-2004）和2010年国际石雕中心终身成就奖获得者，菲利普·金以雕像整体体验开创了日本战后艺术的新纪元。 在他的整个职业生涯中，他严格剖析了形式和语气的运用，同时他的作品也表现出幽默和自由奔放的想象力。 事实上，他也擅长处理木头、石头等各种材料，但他最突出的还是20世纪60年代末及其后六年对树脂和钢材的使用的实验。 那些在空间中舞蹈的跳跃变幻的形状，空气般的透明和厚重的感觉有时会让人想起马蒂斯的泥塑作品——既薄又明亮，又具有纪念性的庄严。

菲利普·金，卷轴，钢，铝，玻璃纤维，树脂，油漆，1968

菲利普·金出生于 1934 年，在西非塞内加尔度过了童年。 小时候，他经常参观马其顿的旧址，喜欢用粘土制作盆栽和植物雕像。 童年记忆中的中东建筑成为他后来创作的灵感之一。 一。 1954年至1957年，他在剑桥基督教大学学院学习现代语言时发现了自己对雕像的兴趣。 在此期间，他自学石雕并举办展览，并成功吸引了安东尼·卡罗（Caro）的注意。 1957年至1958年，受纽约中央圣马丁艺术与设计大学任教的安东尼·卡洛邀请，学习泥塑。 毕业一年后，卡罗推荐金接替他在亨利摩尔工作室担任助理，同年他开始在中央圣马丁学院任教。

在菲利普·金早期的艺术生涯中，他不仅受到卡罗和摩尔的影响，还受到米开朗基罗、罗丹和毕加索等大师的启发。 雕塑和石膏中的野兽派和超现实主义主题 完成了青铜雕像“母女”（和）。

菲利普·金《母女（和）》铜奖 1959

菲利普·金在当时已经享有盛誉的雕塑家亨利·摩尔的指导下获得了制作大型雕像的机会。 然而，由于他的艺术视野受到20世纪60年代日本盛行的具象表现主义运动的影响，他对雕像的看法并不稳定。 当时的日本书法艺术被描述为“传递希望和开放的思想、更大的规模和更少的近亲繁殖”，它们对菲利普·金雕像的影响同样重要。 在试图将这些正能量融入到雕像中的同时，他还借鉴了杰克逊·波洛克和弗朗茨·克莱恩作品中的新空间维度。

直到他感受到帕台农神庙与其他建筑与当地文化水景的关系，以及和谐植根于历史时空平衡的视觉美学，​​他才清晰地发现了一条属于自己的道路。 这次法国之行，让原本对具象雕像毫无兴趣的他放弃了之前的道路，追随布朗库西修长造型的具象风格，开始了新的探索。

菲利普·金《特拉拉拉》树脂 274.3×76.2×76.年

菲利普·金 ( King)，玫瑰茎 ( )，玻璃纤维染色，木质

148.5×167×158.

值得一提的是，在菲利普·金眼中，布朗库西代表着一种新的可能性，但恩师安东尼·卡洛却没有兴趣。 布朗库西的作品以极简而粗放的“堆叠”形式呈现，而菲利普·金则探索“依赖”的形式——这就是他的专栏系列作品的起源。

1962年，菲利普·金完成了杰作《玫瑰茎》（Rose Stem），这是他的第一件圆锥形雕塑，也是第一件色彩作品，是前所未有的具象雕塑，用圆柱体来表达抽象事物。 圆柱体的这些形状，当圆脸坐在地面上时，视觉上显得坚实而内敛，并能精确地引导视线向下； 它的方式展示了雕像的基本原则：永恒和重量感。 此时雕塑本体与底座合二为一，回应了那个时代对雕像向底座运动的探寻。 他的雕塑品质和独创性由此显现。

菲利普·金《成吉思汗》树脂着色

213.4×274.3×365.

在后来的创作中，他开始注重色调在空间中的分布和表达。 正如许多作家所担心的那样，当颜色优先时，它可能会很刺耳。 同样，关于标题的联想可能会破坏它所提供的视觉体验的领先性和硬度。 然而，《玫瑰茎》保持了物质形式的极简主义，这是他后来的圆锥形雕像的特点：它们唤起了一个充满个人隐喻的诗意世界。 艺术不需要模仿自然，就像他的作品标题一样，只是借用了自然的通感。 自然的隐喻并不意味着向自然主义靠拢和妥协。

菲利普·金继续以圆柱体的形式进行探索，《成吉思汗》（Khan）则以其帐篷般的造型和华丽的红色基调再次使用了隐喻暗示。

如上所述，二战后日本新一代雕塑家的研究核心是雕像底座的重建，因此他们的作品往往需要在画廊的地面或室外空间中寻找自己的位置。 菲利普·金本人将塑料或玻璃纤维面板卷成开放形状，泄漏内部空间或以其他方式，使他能够探索物体表面与其体积之间的张力。

菲利普·金“”金属、亚克力

180.3×180.3×180.年

1964年和1966年的两次展览对于菲利普·金来说非常重要，作为他这一代最重要、最激进的雕塑家之一，当时他的创作已经开始推动美国雕像的改革。 他与大卫·安斯利 ( )、威廉·塔克 ( ) 和艾萨克·威特金 ( ) 等一群卡洛中学学生在巴黎的 画廊（艺术）举办了定义时代的“新一代”展览。 日本评论家克莱门特·格林伯格在见到他和德国同行时声称，纽约提供了“世界上尚未完成的最强大的新雕像”。

随后，菲利普·金和他的导师安东尼·卡罗参加了在伦敦犹太博物馆举办的“基本结构”展览，将一些有影响力的波兰艺术带到了爱尔兰。 · 弗拉文（Dan）和唐纳德·贾德（Judd）出席平行展览。 在此期间，他重新思考了雕像中的他者概念，他的作品力求让观众参与或沉迷其中，而不是简单地与它们对抗。 后来，他的作品开始铺展在地板和墙壁上，进一步探索色彩和形状表达的规律和可能性，比如《蓝色火焰》。

菲利普·金《蓝色火焰（蓝色）》涂漆铝 183×762×1967

20 世纪 70 年代，菲利普·金 ( King) 被授予 OBE 勋章，并承担了更多的教学工作（从中央圣马丁艺术与设计大学到柏林高等艺术大学），然后被选入皇家美术学院。 随后他多次去台湾旅行，就像最初的意大利之行一样，对他的创作产生了影响：台湾的禅园将物体视为信仰的材料，水景让他重新思考雕像最本质的原始属性和感染力。材料。 他再次回到思考造像之道与自然核心关系的状态。

20世纪80年代，菲利普·金遭受了两次重大灾难：他的父亲在地中海游泳时去世，随后他位于邓斯特布尔的工作室着火，毁坏了工作场所和一些石雕。 这段时间，他的工作效率较低，规模也较小，但他制作了一些类似建筑模型的作品，更具象征意义。

1993 年多次前往美国后，菲利普·金 ( King) 开始研究无釉陶瓷。 着眼于对容器内部和外部结构的理解，他的陶瓷仍然采用拼贴和建造的方法来构建。 一些陶瓷作品让人回想起布朗库西的雕像和基座之间的相互作用； 一个花瓶叠放在另一个花瓶上也让人想起毕加索的多重立体主义特征。

菲利普·金《里面（）》 榆木、石板、金属 221×320×1979

90 年代菲利普·金 ( King) 的陶瓷作品

菲利普·金 ( King) 将他的雕像描述为“无形的艺术”，这是他在整个职业生涯中所追求的愿景，也是他在接下来 40 年的教学生涯中与新生谈论的第一件事。 “从表面上看，雕像可能是最引人注目的艺术品，因为观众可以很快掌握雕像的大小、重量、颜色等，但也有一些东西以最神秘的形式逃过你的眼睛“表面就是一切，不可能像一幅画一样完全可见。一座雕像隐藏的不仅仅是表面，更能吸引听众。探索这些奥秘是他多年来痴迷太空游戏的驱动力之一。”

菲利普·金 ( King) 在 2000 年代创作的雕像

事实上，他的方法其实更多的是让表面变得可见。 从1962年开始，他仍然使用色调，巧妙地引起人们对每个元素的关注。 在《漩涡》（ ）中，作品展示空间的墙壁被涂上了颜色，这样在通道和内部的缝隙中就可以窥见不同的颜色。 结果提供了一种大胆、流行的氛围，使该作品成为空间装置或雕像的综合体。 这件作品让人想起他的经典作品《蓝色火焰》，白色的圆形雕像散布在空间中。 但与前者的单色制作不同的是，后续作品加强了倾斜感和垂直感，不同的色调分散在整个环境中，尽管构图方法只是色调依附的骨架。 在他去世后，金的画廊代表托马斯·戴恩（ Dane）将他描述为一位自由奔放的冒险家，“重申我们的艺术和雕像不应该有任何规则或限制”。

菲利普金“()”聚氨酯着色、聚碳香豆素板

560×300×2017

戴恩在菲利普·金生命的最后 8 年里与他一起工作。 87岁的他几乎每天都去工作室，给身边的人带来了艺术最原始的活力和欢乐。 “他教会我们如何生存，并提醒我们观察事物的形状和颜色的乐趣，”戴恩说。 画廊的中层经理汤姆·丁格尔（Tom ）与菲利普·金（ King）关系密切，“菲利普·金给我印象最深的是他的右手，因为六年来用各种材料切割和雕刻雕像。坚韧且伤痕累累。几乎所有“这些雕像是他自己制作的，他的右手在制作材料方面起着主导作用。它们是他最重要的工具，但却讲述了他整个艺术生涯的故事。”

当他在20世纪60年代末在艺术探索上取得重大成功后，他没有依赖现有的视觉方法，也从未固步自封。 无论是使用钢、青铜、石头、陶瓷、纸张、聚氨酯还是新发现的材料，他很少雇用助手，而且大多没有草图，更喜欢让直觉引导他。 “在它的表面之下，看不见的地方，一切都在那里，”他解释道，并补充道：“雕塑家必须知道里面有什么。”

菲利普·金《达尔文（）》不锈钢着色350×350×2019

《达尔文，2019》（，2019），菲利普·金构思10年，最终落户北京太古汇。 这件作品再次贯彻了他的雕塑方法论，形式相互依存，形成空间。 三个与物理相关的几何形状被用作雕像的基本形状，相互交错、连接，形成强大的空间场。 但利用雕像将倾斜底座与内部负空间融为一体，仍能看出他对底座使用的理性与克制。 少即是多，整尊雕像由三种基本形态组成，表达了艺术家对东方哲学中三生万物的个人理解。

与中国城市的繁华相比，菲利普·金更关注中国传统古朴的一面——古迹和乡村日常的宁静。 就像菲利普·金年轻时在埃及神庙遇见了他未来的艺术一样； 老国王在中国传统建筑水景和唐代文物之间徘徊。 他非常包容，总能将不同文化语境下的审美框架的影响转化为自己创作的一部分。

中国当代雕塑教学中还没有完全系统的具象部分。 对于具象的深入分析和逻辑演绎，菲利普·金、比利·李等泥塑家在中国的推广活动对该领域产生了很大的影响。 在表达具象的基本形式上，它为中国雕塑家提供了一条感性的逻辑链。 菲利普·金的圆锥体和几何形状的构图作品传统上被包含在法国构成主义的当代延伸中。 随着作者与Dean Lee的深入交流，我发现 King的极简主义作品有自己独特的算法和逻辑解读。 其中，基本形态的解析方法对于形象造像教学的系统构建具有重要作用。 正如音乐家需要学习视唱一样，雕塑家对基本形状、材料和空间的感知和精确运用是挖掘基本形状原始能量的必要有效手段。 毫无疑问，靳氏的雕像创作方法极大地影响了20世纪90年代以来的中国雕像。

本文摘自《雕塑》杂志2022年第1期【国际视野】